LES TRENTE ÉLUS DE LA COUR MODE

Il était une fois une école française de la mode, prestigieuse dit-on, institutionnelle probablement, mais surtout parfaitement installée dans le paysage parisien après avoir fait disparaitre les Ecoles de la Chambre Syndicale. Elle décida que trente de ses élèves avaient assez de talent pour défiler à l’ouverture de la Fashion Week de Paris. Trente élus, et comme dans toutes les monarchies qui se respectent, une question inconvenante finit par surgir : qui les a choisis ? Et surtout, pourquoi eux ? La question n’est pas mesquine, elle est fondamentale.

Car dès lors qu’une institution prétend distinguer les « meilleurs », elle ne se contente plus d’organiser un joli spectacle de fin d’études. Elle fabrique une hiérarchie, attribue une visibilité, offre à certains un formidable accélérateur de carrière tandis qu’elle renvoie les autres dans les coulisses avec, pour tout viatique, la consolation républicaine du « continuez à travailler ».

Très bien, mais alors qu’on nous explique les règles du jeu. Quels sont les critères ? Qui compose le jury ? Qu’évalue-t-on : la créativité, la maîtrise technique, la coupe, le textile, la construction, la recherche, l’originalité ? Ou bien mesure-t-on surtout la capacité à parler de mode avec assez d’assurance pour donner l’impression qu’un vêtement est une thèse de sociologie contemporaine ?

LA FAILLE DU LUXE

Il y a une poésie étrange dans cette photographie du rouge à lèvres de ma femme : une ligne ténue, presque effacée, d’une élégance involontaire et qui, à elle seule, murmure tout le problème.

Le Seigneur nous vend du rêve, de la sophistication, de l’excellence. On nous parle de haute couture jusque dans la cosmétique, du savoir-faire, du détail précieux, d’objets que l’on garde, que l’on expose presque. Et puis, au bout de quelques utilisations, voilà que l’écrin se fend, la montagne se fissure, le climat se réchauffe – il est vrai – les glaciers fondent… et même le rouge à lèvres Dior n’échappe pas à la tectonique des plaques.

La cosmétologie connaît pourtant admirablement bien le principe : on comble les fissures, on lisse, on repulpe, on corrige, on camoufle, on vend des sérums pour effacer les rides et des crèmes pour réparer les dommages. Mais, qui répare l’emballage quand c’est lui qui devient le dommage ? Et c’est là que commence le véritable scandale, car on pourrait me répondre : « Mais enfin, l’emballage n’est pas le produit ! »… Précisément. Si.

TROIS CHOCS POUR UN NOUVEAU CYCLE FASHION

Voici ma vision de 2027, en deux mots : moins d’incertitude, davantage d’instabilité. Le temps où les dirigeants pouvaient attendre que les turbulences se dissipent est révolu. Dans la mode, il faudra désormais piloter dans un environnement où les chocs ne se succèdent plus : ils s’additionnent, se répondent et se renforcent. Trois bouleversements, en particulier, vont ainsi redessiner les règles du jeu du secteur.

Le commerce mondial ainsi que les droits de douane américains ont redéfinis les routes commerciales, forçant ainsi marques et fournisseurs à revoir leurs chaînes d’approvisionnement dans l’urgence. Le consommateur lui joue avec les arbitrages budgétaires qui évoluent. On dépense moins pour la mode et davantage pour d’autres priorités, comme le bien-être et la santé. L’essor rapide de l’intelligence artificielle bouscule également les modèles économiques établis. Ces trois tendances ne sont pas des accidents isolés : elles s’inscrivent dans une transformation de fond, que Canal-luxe.org observe depuis dix ans à travers le secteur.

L’AUTODAFÉ DE L’INQUISITION MODE

La bêtise d’autrui a ceci de délicieux qu’elle nous dispense d’inventorier la nôtre, et si l’on devait un jour couronner le narcissisme numérique, reine des vertus, alors le « Selfesse », cette offrande fessière au dieu Meta, ce fondement sans fondement deviendrait l’étalon officiel de notre déchéance.

Voici l’ère des hystériques du « posting instagramique », des exhibitionnistes du tweet, des épileptiques de la story qui se croient penseurs parce qu’ils ont lu un résumé de Rimbaud sur un « Live Instagram » cette engeance qui nous impose sa liturgie du vide : la messe du fessier hissée au rang de manifeste, l’évangile selon Saint Postérieur.

THE TRIUMPH OF WATCHLESS SNEAKERHEADS

They arrived in hoodies, hands buried in their pockets, eyes glued to their phones. Not to the dial of a watch, since they do not wear one, but to their phones where the Vinted app is already open and ready to upload a product listing written the night before while they were standing in line. The photo? Snapped hastily on the sidewalk, the watch still in its box. The price? €1,200. The description? “Never worn.” Of course never worn. It did not survive ten minutes on their wrist. In fact, it was never meant to.

Let’s call them what they are: the new pavement speculators. A generation raised on Nike drops, Adidas bots, and graphics card resellers, who woke up one morning to discover that luxury goods also came with waiting lines. And that the old guard of the industry, too busy talking about craftsmanship and manufacture, had not yet invented an anti-scalping bot. So they came, methodical, organized, perfectly indifferent to the octagonal bezel and everything it stands for. Their entire watchmaking culture can be summed up in one sentence: “It resells well, bro.” They know absolutely nothing about Gérald Genta, they have never heard of Le Brassus, and the difference between an automatic movement and a quartz movement inspires the same shrug as the difference between Château Pétrus and a strawberry yogurt drink.

THE BLAZY EFFECT

After a difficult year marked by a decline in sales, Chanel is finding its way back to growth. The prestigious French fashion house reports annual revenues of $19.3 billion, up 3% at current exchange rates, representing a 1.8% increase on a comparable basis. This recovery, as encouraging as it is symbolic, comes in a still fragile environment, particularly due to the persistent slowdown in luxury spending in mainland China, which had weighed heavily on the previous year’s results.

On the operational side, the house confirms its resilience: operating income rose 5.2% to reach $4.7 billion, reflecting the efforts made to reorganize teams and strengthen production capabilities. A shadow on the horizon, however net profit fell sharply by 14.3%, dropping to $2.9 billion in 2025, a decline that raises questions despite the otherwise solid performance of the remaining financial indicators.

Why is Matthieu Blazy such a success? The answer lies in his rare ability to blend heritage with modernity. Trained under the wing of Raf Simons and then Martin Margiela, Blazy built his reputation at Bottega Veneta, where he transformed the Italian house into one of the most coveted brands of his generation. At Chanel, he brings the same philosophy a deep respect for savoir-faire and craftsmanship, combined with a sharp, contemporary vision that speaks to a new, younger generation of luxury consumers.

UN MANOIR ENTRE COUTURE ET ARISTOCRATIE

À moins d’une heure de Paris, le Manoir du Mée semble sorti d’un roman français où la haute couture croise l’aristocratie dans un parfum de roses anciennes et de boiseries cirées. Cette élégante demeure du XVIIIe siècle vient d’être mise sur le marché pour environ 3,18 millions de dollars. Construite en 1749, la propriété développe près de 500 m² habitables au cœur d’un parc paysager de 5 000 m², avec cheminées en marbre, parquets Versailles, cave à vin, maison d’amis et vaste garage pour vos collections.

Le lieu doit sa légende à Karl Lagerfeld, qui acquiert le manoir en 1986 pour en faire à la fois un refuge de campagne et un véritable laboratoire esthétique. Le couturier y organise des séances photo pour Chanel avec des figures emblématiques comme Inès de La Fressange ou Tatjana Patitz, transformant les jardins en décor de mode presque cinématographique. En 1998, Lagerfeld revend la propriété à la Princesse Caroline de Monaco et au prince Ernst August de Hanovre. La demeure change alors d’atmosphère : moins atelier créatif, davantage maison familiale discrète, loin des éclats monégasques et des objectifs des photographes.

Au fil des années, le Manoir du Mée est devenu une sorte de capsule temporelle mêlant noblesse du XVIIIe siècle, élégance parisienne, héritage Chanel et souvenirs princiers. Une anecdote raconte même qu’un dessin réalisé enfant par la princesse Alexandra subsisterait encore sur une poutre intérieure, détail fragile et poétique laissé par le passage du temps.

MARC JACOBS QUITTE LE PALACE POUR L’USINE À MARQUES

Chez LVMH, on vend rarement une maison, car en général, Bernard Arnault collectionne les marques comme d’autres collectionnent les tableaux flamands ou les vignobles de moins d’un « nectar », alors voir Marc Jacobs partir chez WHP Global pour 1,2 milliard d’euros ressemble moins à une simple transaction qu’à un grand ménage de vigogne, ce camélidé des Andes.

La vraie ironie, c’est que Marc (comme on dit dans la mode) reste directeur artistique. Ainsi on change le propriétaire des murs, mais on garde l’artiste dans l’atelier, qui n’y met jamais les pieds, histoire de préserver un peu d’ADN avant l’inévitable avalanche de licences, capsules, sneakers “iconiques” et parfums vendus entre deux escalators d’aéroport. Bienvenue dans la grande usine mondiale du luxe émotionnel.

Quand Le seigneur des Arnault avait récupéré la marque en 1997, Marc Jacobs incarnait encore cette mode new-yorkaise nerveuse, imprévisible, légèrement insolente. Aujourd’hui, même les rebelles finissent dans des tableurs Excel. La mode adore parler de créativité, elle finit toujours par parler de valorisation.

ALIBABA ET LES QUARANTE BANDEURS DU PONT NEUF

Paname étouffe déjà sous les barrières, les travaux, les files de vélos et les voitures figées comme des figurants oubliés dans un mauvais rêve, et voici qu’arrive maintenant La Caverne du Pont Neuf. Après Christo, il y a quarante ans, JR choisit cette fois de le transformer en carrière de pierres géantes, pour un décor de parc d’attractions minéral posé au milieu d’une capitale déjà congestionnée.

On nous parle d’un « dialogue entre passé et présent », mais le seul dialogue que les Parisiens entendent encore, c’est celui des klaxons qui réverbèrent entre la Samaritaine et « l’autel » du cheval blanc du seigneur des Arnault. Une caverne pour une allégorie, sorte de réflexion que Platon dans « La République » met en scène : des humains enchaînés et immobilisés dans une caverne qui tournent le dos à l’entrée et voient non pas les objets, mais les ombres, à l’orée du BHV, la grotte de Dubuffet Campagnard Gratuits, cela a du sens. Les bimbos ne comprendront pas ce clin d’oeil, mais cela n’est pas grave.

Certes, les promoteurs du projet jurent comme des manifestants aphones qu’aucun financement public n’est engagé. Mais à Paris, même les œuvres prétendument gratuites, finissent toujours par coûter quelque chose aux contribuables : circulation paralysée, sécurité mobilisée, nettoyage, logistique, occupation de l’espace public. Pendant qu’on transforme le Pont Neuf en une grotte conceptuelle pour promeneurs en quête de selfie minéral, les rues voisines deviennent un labyrinthe d’embouteillages et de détours, et pour rentrer à la maison, c’est plus difficile.

CHOPARD AND ITS FACE

Over the decades, Isabelle Huppert has walked more red carpets than the Cannes Film Festival has grains of sand along the Croisette. This year once again, at the Festival de Cannes, she becomes godmother of the Trophée Chopard, succeeding Demi Moore and Julia Roberts. Yet another consecration for this towering actress… although, for many people of our generation, the suspense no longer lies in her films but in facial recognition itself. Between facelifts, touch-ups, and dermatological miracles worthy of a Haussmann-era reconstruction project, some are still searching for Isabelle Huppert the way one searches for an old friend behind an Instagram filter.

Caroline Scheufele, co-president of Chopard, 64 years old (yes, I know it is considered impolite to mention the age of a woman who looks thirty years younger), speaks of a deep artistic affinity.

LE GRAND BASCULEMENT DES MARQUES

Un basculement silencieux, mais irrésistible comme la marée du Mont-Saint-Michel : longtemps, les grandes marques occidentales ont régné sans partage sur les imaginaires et les marchés du monde. Aujourd’hui, l’équilibre se fissure, notamment en Chine, où la dynamique n’est plus celle d’une fascination unilatérale, mais d’une concurrence vive, structurée et de plus en plus confiante.

LA GEN Z INDULGENTE FACE À L’AUTORITARISME

Il flotte dans l’air du temps une fascination inattendue par la Gen Z, une partie de nos jeunes générations, nées dans des sociétés ouvertes et démocratiques, semble aujourd’hui regarder ailleurs, vers des modèles politiques autoritaires, avec une curiosité parfois troublante. La Chine, notamment, devient pour certains un objet d’admiration autant que d’interrogation.

Derrière cette attirance, il y a moins un rejet frontal de la démocratie qu’un désenchantement diffus. Trop de complexité, trop de lenteur, trop de débats sans fin dans le pays des droits de l’homme. À l’inverse, les régimes autoritaires apparaissent comme des machines efficaces, capables d’imposer une direction claire, d’agir vite, de construire sans entrave visible.

C’est dans ce contexte qu’émerge une figure symbolique, presque romanesque : Jordan, 28 ans, que certains surnomment ironiquement “le bienheureux”. Il incarne cette génération qui ne rejette pas la modernité mais la redéfinit. Pour lui, la liberté ne passe plus nécessairement par le débat ou le pluralisme, mais par l’accès, la fluidité, la consommation. Un monde ordonné, connecté, où tout fonctionne de façon binaire plus simple, voilà sa promesse.

FLIGHT JACKET : DU COCKPIT AU MYTHE

Tandis que le retour feutré de la guerre se fait entendre, les vêtements militaires, autrefois, s’imposaient comme des pièces emblématiques du vestiaire masculin se transformant au rythme de l’essor de l’aviation. Ainsi, pour résister au froid sans entraver les mouvements, sont créés des combinaisons et blousons de cuir, remplaçant les manteaux encombrants des premiers pilotes. Dès 1915, des modèles adaptés apparaissent, comme le blouson porté par Manfred von Richthofen, appelé aussi le Baron rouge.

Dans les années 1930, le « Bombardier américain » en peau retournée devient une pièce clé, avant d’être amélioré pour s’adapter aux contraintes des cockpits. Ce vêtement, popularisé ensuite par des marques spécialisées, s’inscrit durablement dans l’histoire. Parallèlement, des aviatrices comme Elinor Smith ou Amelia Earhart adoptent ces tenues plus pratiques.

Les blousons deviennent aussi des supports d’expression : décorés de pin-up, d’insignes ou de symboles, ils racontent les missions et les émotions des pilotes. Certains, comme ceux des Flying Tigers, deviennent des pièces mythiques. Hollywood contribue à forger la légende en mettant en scène ces héros et leurs vestes iconiques, incarnant durablement le rêve américain.

DGENA DRESSES THE FRENCH MUSIC SCENE

Behind the scenes of the French music scene, a figure moves with the precision of a conductor and boldness. Dgena now extends her influence across the entire French music scene, dressing singers and performers in search of a unique signature. Blending contemporary daring with nods to the icons of the past, her creations converse across eras and styles, shaping a visual language recognizable at first glance.

LA NOUVELLE BABYLONE

Il l’appelle encore empire, mais aujourd’hui, il a pris le goût d’un cirque fatigué. Ainsi, dans cette Babylone moderne, les étoiles du drapeau ne brillent plus, elles pleurent. Elles coulent en filets lents comme une encre trop lourde, dessinant sur la toile un ciel malade. Le rêve, autrefois sculpté dans le chrome et les promesses, pend maintenant comme une carcasse décorée, chargée de médailles, d’armes et de dettes morales.

Voici donc cette créature, ni homme, ni bête, mais un assemblage, un collage de puissance et de décomposition. Ses yeux sont des pièces de monnaie, fixées là où l’âme aurait dû respirer. Elle ne voit plus, elle calcule, et chaque regard devient transaction, chaque horizon une ligne de crédit.

Comme une archive de guerre : fusil greffé aux os, grenade dans la paume comme un fruit défendu qu’on ne lâche plus. Même la foi, suspendue à son cou, semble peser lourd, comme si le sacré avait été converti en accessoire.

Sous ses pieds, le sol n’est pas de terre, mais le ministère de la guerre, sorte de base à géométrie froide qui n’abrite pas, mais qui surveille. Et là, au bord, une fusée miniature pointe vers le ciel, comme un doigt d’acier accusateur : conquérir, toujours plus haut, toujours plus loin, même quand l’intérieur s’effondre.

LES EMPIRES DU LUXE : POUVOIR, FOI ET STORYTELLING

Le monde contemporain se croyait vacciné contre les empires, rangés dans les vitrines poussiéreuses de l’histoire, entre cartes anciennes et uniformes brodés. Et pourtant, les voilà qui ré-émergent du néant, non pas comme des fantômes, mais comme des architectures polymorphes.

SPOTURNO UNE ÎLE INTÉRIEURE EN FLACON

Sous les arcades de la Galerie Vivienne, là où la lumière glisse sur les mosaïques comme une confidence ancienne, se tient une boutique que l’on pourrait presque manquer… si son âme ne savait pas appeler. Elle porte un nom, simplement gravé, avec une retenue presque émue : Spoturno.

La première fois que je l’ai prononcé, quelque chose s’est levé en moi. Comme si, derrière ces syllabes, apparaissaient soudain les reliefs d’une île intérieure, secrète, baignée de cette lumière grave et tendre qui n’appartient qu’aux terres anciennes. Ce nom n’est pas une simple signature. C’est une source, un souffle venu de loin.

La fondatrice de la Maison évoque son arrière-grand-père comme on parle d’un paysage. Non pas une figure figée, mais une présence diffuse, presque végétale, enracinée dans la terre. « Certains héritages ne se gardent pas », confie-t-elle en effleurant un flacon. « Ils se respirent… et ils continuent. »

Alors, elle a créé, non pour conserver, mais pour prolonger. Les compositions, signées par le parfumeur Christopher Sheldrake, se déploient comme autant de traversées sensibles. L’une laisse affleurer la lumière d’une fleur d’oranger presque solaire, une autre murmure des notes boisées, comme des sentiers invisibles.

À mesure que les créations se dévoilent, une impression s’installe, celle d’un lieu habité, où chaque parfum semble porter en lui un fragment de mémoire, sans jamais céder à la nostalgie. Rien n’est figé ici. Tout circule.

DES PRIX DE DUPE

Le ministère de la Culture propose régulièrement des dispositifs d’aide destinés à soutenir les entreprises françaises issues des secteurs de la couture, des cuirs et peaux, de la bijouterie, des accessoires et de l’horlogerie. Sur le papier, l’initiative semble louable : encourager la création, accompagner les talents, préserver un savoir-faire. Mais, à y regarder de plus près, les conditions d’accès racontent une autre histoire.

On nous parle d’aides, mais avec un chiffre d’affaires minimum de 250 000 euros, ce n’est plus un tremplin, c’est un trampoline déjà en orbite. Autant dire que pour les jeunes créateurs, la marche n’est pas haute… elle est haute couture.

CALDER LÀ OÙ VUITTON FAIT LÉVITER LE REGARD

Dès l’abord, le regard du visiteur est comme saisi par une main invisible, et retenu un instant dans une suspension presque sacrée, où se déploie, une vaste constellation de formes vermillon, dont les élans semblent converser avec les voiles diaphanes de Gehry, comme si l’architecture elle-même avait consenti à devenir souffle. Rien ici ne pèse plus selon les lois ordinaires de la matière : la sculpture ne s’impose point, elle respire, elle flotte, elle semble écouter le silence même de l’espace, et s’y fondre comme une pensée devenue visible du Seigneur.

Plus avant, le parcours incline son cours vers une œuvre des origines, Le Cirque Calder (1926–1931), prêté par le Whitney Museum of American Art, et qui apparaît tel un monde miniature où l’infini se cache sous l’apparence du jeu. Ces figures de fil de fer et de tissus légers, ces fragments d’objets métamorphosés en personnages, évoquent moins une construction qu’un songe éveillé. On croit entendre encore la voix de l’artiste, comme s’il venait à peine de quitter la salle, laissant derrière lui cette troupe prête à recommencer sa danse fragile au moindre souffle du souvenir.

MAUD FRIZON ESPRIT LIBRE DE PARISIENNE

Dans la grande histoire de la mode parisienne, certaines personnalités laissent une empreinte singulière, presque électrique. Maud Frizon faisait partie de celles-là. Je l’avais rencontrée à une époque où elle envisageait de créer un parfum et je venais avec toute la science du flaconnage. Cette rencontre m’avait frappé par sa simplicité et sa vivacité : elle parlait de la création comme d’un jeu sérieux, avec un regard pétillant et une curiosité constante pour les matières, les formes et les sensations.

Rien d’étonnant finalement pour une femme qui, dès la fin des années soixante, allait bousculer l’univers de la chaussure. Son histoire commence réellement en 1969, lorsqu’elle présente ses premières créations, en dévoilant notamment de spectaculaires bottes en daim au-dessus du genou, fermées par des boucles de ceinture digne des Mousquetaires. La silhouette est audacieuse, presque théâtrale. On comprend déjà que la jeune créatrice ne cherche pas la discrétion.