LOUIS VUITTON LE DÉFILÉ DES SIGNES

Dans la grande mécanique du luxe, certains détails tintent comme de petites cloches dans un couloir silencieux. Parfois, un simple passage, presque furtif, peut faire naître mille hypothèses. L’apparition de looks à la Rick Owens, parmi les premiers mannequins de la collection de Louis Vuitton, dessinée par Nicolas Ghesquière n’a évidemment rien d’anodin pour les observateurs attentifs.

Cette collection me laisse une impression curieuse, comme un parfum dilué que l’on reconnaît sans vraiment le retrouver. Rien de franchement raté, bien sûr. Mais une collection en demi-teinte, moins incisive que celles qui ont fait sa réputation depuis son arrivée chez Louis Vuitton. Les volumes, habituellement tranchants comme une architecture mobile, semblaient ici se contenter d’un néo classicisme prudent sans l’être vraiment. Les matières dialoguaient moins entre elles, et l’ensemble évoquait davantage une transition à venir qu’autre chose. Mais, attention toutefois : ne jamais dire du mal de LV, car les foudres du Seigneur s’abattront sur vous comme un missile Iranien.

Pour les première pièces, était-ce un simple clin d’œil amical entre créateurs ? Ou un geste plus subtil, presque théâtral ? Dans un secteur où chaque détail est pesé comme une pierre précieuse, voir un look Owens ouvrir la marche ressemblait à une note discordante volontaire.

GUCCI OU L’ART DE TROUBLER LE PRINTEMPS

Dans un rayon de lumière, qui semblait avoir été loué à un Caravage en pleine euphorie solaire, Gucci fit son entrée comme une diva qui n’a pas besoin d’annoncer son nom. La collection « Primavera » s’ouvrait comme une fenêtre sur un printemps capiteux, un printemps qui ne sent pas la marguerite innocente mais la peau chauffée par le soleil de Florence.

Dans l’ancien site de la foire de Milan, le décor jouait les temples antiques. Des statues de marbre surveillaient les gradins avec la gravité d’un Sénat romain, tandis que le public, lui, murmurait comme une volière de soie. On se serait cru dans une fresque de Jean-Gabriel Domergue où la femme, toujours, triomphe.

Au premier rang, la mythologie moderne : Donatella Versace rayonnait comme une impératrice blonde, tandis qu’ Alessandro Michele, sourire complice, semblait savourer l’instant comme un collectionneur de moments rares. Plus loin, Demi Moore, enlacée à son minuscule chihuahua, incarnait cette idée délicieuse que le glamour adore les contrastes.

Et puis il y avait Demna. Stratège du tissu, sculpteur d’allure, Il n’a pas présenté des vêtements, il a orchestré des silhouettes. Ce qui frappait, c’était la diversité des morphologies, des âges, des présences. Une arche de Noé sensuelle, embarquant toutes les beautés possibles. Le final fut un coup de tonnerre en talons hauts.

Le retour de Karlie Kloss et de Kate Moss en clôture avait la saveur d’un champagne millésimé qu’on croyait disparu de la cave. Robe noire dos nu, vertige textile, et ce string GG en or blanc serti de diamants, clin d’œil incandescent à l’époque Tom Ford une époque où la maison respirait le désir comme un parfum capiteux, dense, presque interdit.

CHRONIQUE D’UN DÉFILÉ SOUS LA TAMISE IMAGINAIRE

Burberry, qui évoque pour les « Froggies » à la fois la pluie et le flegme britannique, regarde la Fashion Week de Londres sous son ciel le plus fidèle, celui qui oblige l’homme à se souvenir qu’il n’est qu’un passant sous les nuages. Ainsi, nous réalisons que le défilé a été conçu comme une promenade d’automne, où le parapluie joue le rôle que tient l’éventail dans les shows de Milan : un objet modeste, mais chargé de civilité et de désir.

PLUIE SUR LONDRES, PAILLETTES POUR L’ENNUI

Après trois ans d’absence, et un dernier article qui avait fait à sa carrière l’effet de la mousson dans un crachat, le créateur a jugé qu’il était temps de revenir sur les podiums. Londres, trempée jusqu’à l’os, offrait un décor idéal pour ce miracle climatique : Macdonald, messie du polyester, venait apporter le soleil, mais nous, nous avons vue l’éclipse.

Le défilé s’est tenu au pied du Shard, ce gratte-ciel de Renzo Piano, gigantesque godemichet architectural pointé vers les nuages comme une prière indécente. Difficile de ne pas soupçonner que cette vision verticale ait inspiré la collection, tant elle semblait conçue pour être vue de loin, très loin, idéalement par quelqu’un d’astigmate comme la pyramide de la Reine Magot à Paris.

Les mannequins, drapés de paillettes comme des boules à facettes anthropomorphes, évoluaient devant la skyline londonienne pour un survol au-dessus d’un nid de cocottes consentantes. On aurait juré un enterrement de vie de jeune fille sponsorisé par Swarovski.

L’été dernier, Macdonald avait découvert le Shard au crépuscule après un cocktail de gin arrosé d’un Vermouth à la Elton. Ainsi, ému par les reflets irisés, il obtint la permission d’y organiser son défilé. Il tenta de recréer ces couleurs dans une collection scintillante, prouvant une fois de plus que l’imagination peut être un très beau filtre de lunettes moites pour nuits blanches.

FODAY DUMBUYA 2026 LONDRES

La dernière « collection » de Foday Dumbuya était un procès public contre la médiocrité abyssale de la mode contemporaine, plus proche d’une déclaration de guerre que d’un défilé. On les appelle les podiums traditionnels, sortent d’autels poussiéreux du déjà-vu, qui semblent brûler sous l’impact de cette rafale textile, comme si l’originalité revenait réclamer son territoire à coups de couleurs et de mémoire.

L’ikat, le tartan, le coton brodé, la soie imprimée parlaient comme des archives vivantes. Chaque fibre revendiquait un port, un exil, une histoire oubliée. Sur scène, les métiers à tisser « Harris », imperturbables comme des monuments, opposaient leur lenteur obstinée à la tyrannie du jetable. Les tisserands, graves, tissaient autre chose que des étoffes : une révolte patiente, un appel contre l’amnésie culturelle.

Les silhouettes n’ont pas défilé, elles ont explosé. Couleurs insolentes, coupes tranchantes, silhouettes militaires transformées en bannières utopiques. Les robes, trenchs et pantalons devenaient océans, ciels, continents, revendiquant une liberté presque insolente. Dumbuya ne marchait pas sur le fil du portable audacieux : il le faisait vibrer comme une lame, mêlant Denim imprimé, raphia, broderies indiennes et soies chinoises dans une géographie politique du vêtement.

LE LUXE FRANÇAIS AU SOMMET DU PRÉCIPICE

Le luxe français ressemble aujourd’hui à ces empires dont on célèbre la splendeur au moment précis où ils commencent à douter d’eux-mêmes. Tout y brille avec une obstination presque inquiète : les vitrines, les chiffres et les capitalisations boursières. On a remplacé les couronnes par des logos, mais la monarchie demeure, simplement cotée au Nasdaq.

Il fut un temps où Paris dictait le goût comme on dicte une langue. Le monde apprenait le français du luxe avec l’application d’un élève amoureux : couture, parfum, artisanat. Cette syntaxe lente et précieuse faisait de chaque objet une phrase longue et nécessaire. Aujourd’hui, le monde parle plusieurs langues. Séoul invente des néologismes. New York impose son accent, Shanghai prépare sa grammaire impériale. Paris, lui, continue de conjuguer le passé, avec un charme qui confine parfois à l’entêtement.

Le luxe a changé de nature. Il a quitté les salons feutrés pour entrer dans l’économie mondiale, ce grand roman-feuilleton où chaque trimestre doit offrir son cliffhanger. Les créateurs sont devenus des personnages publics, surveillés par des algorithmes qui remplacent la critique d’art par des courbes d’engagement. Le génie, autrefois solitaire et lent, doit désormais se prouver en temps réel, sous peine d’être remplacé comme un acteur qui ne fait plus recette.

FOURRURE, POUVOIR ET CONTROVERSE L’ÉNIGME BASSO

Dennis Basso incarne cette figure presque intemporelle du luxe américain, un créateur qui a bâti sa légende sur la fourrure, matière à la fois spectaculaire et profondément controversée. Son ascension, scellée dès les années 1980 par l’adoubement des élites new-yorkaises, raconte autant l’histoire de la mode que celle d’un certain rapport au pouvoir, au prestige et à la visibilité sociale.

Devenir le « fourreur des femmes fortunées » a fait de Basso un symbole : celui d’un luxe qui persiste à célébrer la fourrure malgré les décennies de critiques, de campagnes militantes et de virages éthiques pris par une grande partie de l’industrie. Alors que de nombreuses maisons ont renoncé à cette matière au nom du bien-être animal et de la pression sociétale, Basso choisi la continuité, revendiquant la fourrure comme un terrain d’expérimentation esthétique, presque ludique, où paillettes et couleurs audacieuses remplacent la gravité du débat.

Cette posture n’est ni provocatrice ni militante : elle est révélatrice d’un monde où la fourrure reste un marqueur de pouvoir symbolique, un code social réservé à une élite qui peut se permettre d’ignorer la controverse.

KHAITE BY CATHERINE HOLSTEIN

Il y avait là une installation qui semblait sortie d’un rêve un peu trop lucide, une hallucination de Matrix filtrée par l’intelligence d’un architecte amoureux. L’époux de Catherine Holstein avait bâti un décor qui disait tout sans rien avouer : l’ambition, la solitude, la jubilation tranquille d’une créatrice désormais installée dans le panthéon instable de la mode new-yorkaise. On y sentait cette certitude étrange, presque coupable, d’avoir réussi.

ALTUZARRA 2026

Être femme, cette chambre chaude où le monde se dénude, et avoir dans la gorge la douceur du miel et dans le ventre la foudre de jupiter. J’aurais voulu être celle qui donne la vie et donne à l’homme la faim d’un vin qui se répand dans la nuit,

Poétesses aux mille cœurs, constellations palpitantes au-dessus des palmeraies indociles, corps fait de couleurs et de climats, blondes comme l’aube berbère, noires comme la braise saharienne, blanches comme les patios de Fès où la lune se repose, elles portent la révolte dans leurs hanches, le murmure dans la nuque, la promesse dans leurs paumes ouvertes.

LAUREN CONSTELLATIONS SUR LE VELOURS

La foule de la mode revient comme une marée parfumée dans la grosse pomme : Anne, Ariana, Emilia, Lana, et d’autres constellations de femmes s’asseyant dans la galerie comme dans une chambre secrète du temps où l’automne descend sur les arbres comme une pensée mélancolique sur l’âme, dorant les feuilles d’une lumière qui semble déjà un souvenir. Les murs respiraient des forêts peintes à la main, les rideaux de velours retenaient la nuit, les tapis anciens murmuraient des pas disparus, et le cuir fatigué gardait la mémoire des corps. Tout était là : les souvenirs d’une maison rêvée, où les vêtements étaient empilés sur la peau, comme si la saison des brumes était une chose que l’on pouvait toucher.

NEW YORK VERSUS PARIS

Pendant que Paris s’enorgueillit de son héritage en pontifiant, New York avance comme une machine narrative parfaitement huilée. D’un côté, la Fashion Week parisienne, organisée par le "Marrant", sublime sur le papier, mais souvent labyrinthique dans la réalité : calendrier modifié à la dernière minute, shows qui se chevauchent, lieux improbables où même les chauffeurs des limousines hésitent, invitations envoyées trop tard, et pas d'invitation parfois ! Paris aime le mystère, et frôle l’improvisation artistique pour faire croire qu'ils sont eux aussi créatifs.

New York, ne joue pas du 11 au 16 février, la ville ne se contente pas d’organiser une Fashion Week : elle compose un récit. Chaque show s’inscrit dans une dramaturgie claire, chaque créateur trouve sa place dans une constellation lisible. Les femmes créatrices prennent la lumière, non comme une tendance opportuniste, mais comme une architecture pensée : Daniella Kallmeyer, Ashlynn Park, Maria McManus, Colleen Allen, Stephanie Suberville, Isabel Wilkinson Schor. Une génération racontée, contextualisée, amplifiée.

À Paris, on empile les maisons comme on empile les siècles : impressionnant, mais parfois écrasant. À New York, on raconte une histoire dans laquelle les jeunes voix dialoguent avec les monuments vivants : Marc Jacobs, Ralph Lauren, Carolina Herrera, Michael Kors, Coach, Calvin Klein. La tradition ne bloque pas la circulation ; elle devient un boulevard.

LE COUP D’ÉTAT SILENCIEUX DES GÉANTS DU NUMÉRIQUE

Ils ne gouvernent pas officiellement, mais ils règnent partout, ils ne portent pas d’uniforme, mais leurs décisions façonnent les guerres, ils ne se présentent pas aux élections, mais leurs algorithmes orientent les votes, les émotions, les silences.

En quelques années, une poignée d’entrepreneurs est passée du garage californien au trône invisible du monde. Leurs entreprises sont devenues des États sans frontière, leurs plateformes des continents où nous vivons. Ils financent, influencent, arbitrent, parfois décident. Et l’on s’habitue à leur pouvoir comme on s’habitue à la météo. Ce basculement ne fut pas un coup d’État, mais une translation lente par doses homéopathiques. Ainsi, le pouvoir a glissé du politique vers la technique, du débat vers le code, de la loi vers l’interface. Les gouvernements négocient avec eux comme avec des superpuissances, les citoyens, eux, naviguent et cliquent. Alors, une question s’impose : que signifie encore vivre librement quand nos existences passent par des architectures conçues par d’autres ?

Peut-être qu’une nouvelle philosophie de vie naît ici, dans cette tension, une philosophie du désenvoûtement technologique, refuser d’être seulement un profil, une donnée, une variable dans un modèle prédictif. Réapprendre à distinguer l’utile du captivant, le nécessaire du manipulatoire, le progrès de l’addiction.

LETTRE OUVERTE A LA COUTURE

Ce qui arrive n’a pas encore de matière, mais sa structure est déjà là. Ce n’est pas une vague à observer depuis le rivage, c’est une architecture en cours d’élévation. Elle poussera au milieu de la vôtre, qu’elle plaise ou non au Seigneur des Arnault. Les créateurs chinois ne demandent plus l’autorisation, ils construisent une capitale imaginaire et l’installent au cœur de la nôtre.

Pendant que certains récitent l’héritage, les petites mains, les gestes murmurés comme des prières, ailleurs, tout s’accélère : Vitesse, mutation, formes irréconciliables avec l’aiguille mais parfaitement compatibles avec l’impression. Paris polit son passé jusqu’à le rendre inoffensif. L’autre, l’empire préfère le futur brut, encore brûlant, encore instable, presque dangereux.

On vous dira que ce n’est pas de la couture. Trop conceptuel. Trop numérique. Trop dur. On vous expliquera que la beauté doit rester souple pour être tolérée. C’est faux, car ces silhouettes tiennent, elles ne flottent pas, elles s’imposent comme des armures de lumière, issues d’un calcul, et parfois d’une erreur devenue langage.

Ne vous y trompez pas, s’ils montent à Paris, ce n’est pas par admiration, c’est par stratégie. Ils ont compris ce que nous feignons d’ignorer. Le luxe n’est plus un refuge, c’est un champ de bataille visuel. Chaque collection est une prise de position, et pendant que certains restaurent des mythes épuisés, d’autres en génèrent de nouveaux à la vitesse de la lumière.

MODE ET MÉDAILLES EN CHOCOLAT

Nous vivons dans un monde en déliquescence, un monde où l’on décore à l’Élysée un petit Pharrell Williams de la Légion d’honneur lui qui fut condamné à New York pour avoir confondu hommage et photocopieuse en pillant Marvin Gaye. Un monde où l’on distribue les médailles comme des tickets de métro, à la vitesse d’un Shinkansen lancé à pleine vitesse, alors c’est à Beckham, décorée des Arts et Lettres. Elle qui n’a jamais cousu une robe ni dessiné autre chose qu’un contour de sourcil. Mais après Jacquemus, pourquoi pas ?

En vérité, c’est un monde qui chute sans même la décence de le faire élégamment. Un monde où les moins que rien sont hissés à l’honneur, un monde où l’on empâte la couleur, où l’on découpe le réel à la truelle pour que tout brille, que tout explose au final comme la rébellion de Bolotnikov. On pointille l’éléphant, on atomise le bon goût, et l’on finit par infliger à l’œil de l’esprit la même douleur que celle qu’une tôle clinquante renvoie au soleil. La vulgarité n’est jamais belle et la repeindre ne l’anoblit pas, elle la rend seulement plus bruyante.

ALESSANDRO MICHELE OU LE GÉNIE DE LA DÉVIATION

À la fin du XIXe siècle, un dispositif singulier fit son apparition dans les grandes villes européennes : le Kaiserpanorama. Aujourd’hui presque oublié, il demeure pourtant fondamental pour comprendre un certain régime historique de la vision. Cette machine optique collective se présentait comme une structure circulaire en bois, percée de petits oculaires, autour de laquelle le public se rassemblait pour observer des images stéréoscopiques animées.

Chacun regardait seul, bien que tous regardaient ensemble un rituel public fondé sur l’isolement du regard. Le Kaiserpanorama offrait l’accès à des villes lointaines, des paysages exotiques, des monuments, des ruines, des scènes de la vie quotidienne dans des lieux inaccessibles. Un monde entier entrait dans une pièce pour voyager sans déplacement, par la seule intensité de la vision.

Pour cette collection de Haute Couture, la Maison Valentino a recréé un Kaiserpanorama en grandeur nature, invitant les afficionados à découvrir les modèles non pas sur un podium frontal, mais à travers un dispositif circulaire de vision fragmentée. Chaque création se dévoile par un oculaire, dans une proximité presque troublante, réservée à un seul regard à la fois.

Un "peepshow" du XXIe siècle assumé, et le public, les fesses tournées sur l'extérieur regardant, par le hublot, les silhouettes défiler, où les corps deviennent images. Ainsi, Valentino choisit de ralentir, d'isoler et de concentrer. Là où l’époque multiplie les regards. La Maison les singularise. Là où la mode est souvent livrée aux foules et aux écrans, elle redevient expérience intime.

HERMÉS LE DERNIER SOUFFLE D’UNE ÉLÉGANCE ÉTERNELLE

Quand Véronique Nichanian, gardienne patiente et souveraine de l’homme Hermès depuis trente-sept années, s’apprête à quitter la scène, une émotion grave et profonde circule comme une onde sous les voûtes du soir. Ce qui fut longtemps un rendez-vous presque monacal au Palais d’Iéna s’est déplacé, à l’heure où le jour se retire, vers le Palais Brongniart, métamorphosé en vaste cérémonie du souvenir. Là, dans la pénombre dorée, la reconnaissance semble suspendue dans l’air même que l’on respire. Elle émane des visages rassemblés, des figures célèbres qui l’ont croisée sur leur chemin, comme des artisans de l’ombre qui l’ont accompagnée.

LA MODE EN MÉNAGERIE SUR CINTRE

Marco de Vincenzo, samedi soir, a décidé que le summum du chic, c’était de se promener avec une tête de rhinocéros miniature sur son veston. Y a-t-il un message en lien avec le livre d’Eugène Ionesco ? Évidemment non, car les gens de mode ne lisent pas. Il s’agit simplement d’une performance où un styliste décide de coller un empaillé sur le podium, faisant écho aux autres empaillés du public, et personne n’y a rien vu!

Mais ici, pas de message écologique ou animalier : Marco s’inspire d’une campagne de 1997, où l’humain et l’animal fusionnaient. Sans doute l’époque bénie où l’on confondait un mannequin et une girafe après trois verres de chianti, sorte de « condamnés de draps communs « .

Entre classicisme et fantaisie, un prétexte pour mettre des plumes sur des tweeds, et appeler cela une « réflexion sur l’instinct face à l’intellect ». Autrement dit : si c’est moche et cher, c’est la touche conceptuelle façon Jacque-mumuse.

Les smokings sont en soie, les manteaux en tweed, les revers en plumes, et les blousons décorés de tête de hiboux autrement dit, une ménagerie sur cintre. On imagine la scène : « Chéri, tu as vu mon pull hibou ? Non, mais il était chouette ! »

LES JIKATABI COPIÉS PAR LA KARDA

Les jikatabi sont des chaussures traditionnelles japonaises au design reconnaissable à leur séparation des orteils. Contrairement au folklore paresseux qui les colle aux ninjas de pacotille, elles sont nées au début du XXe siècle sous l’impulsion de Tokujiro Ishibashi, frère du fondateur de Bridgestone.

Il n’en fallait manifestement pas plus pour que La Kim Kardashian s’en empare, les recycle, les dilue, puis les sert tièdes dans une association opportuniste avec Nike. Cette mécanique de copies culturelles, pudiquement rebaptisées “inspirations”, a permis à l’empire Kardashian d’atteindre une valorisation obscène de 5 milliards de dollars, tout en tirant dans son sillage des marques comme Alo ou Lululemon. Peu importe que certaines trébuchent ensuite, l’important est d’avoir pressé le citron jusqu’à la dernière goutte pour changer sa Rolls.

Voici donc celle que l’on a accueillie à bras ouverts à la Paris Fashion Week, et qui, désormais, ne se contente plus de prospérer sur le dos des couturiers français, mais s’attaque aussi aux cultures qu’elle ne comprend pas. Ce pillage est presque logique chez quelqu’un qui n’a rien à transmettre, rien à défendre, rien à incarner.

Rien d’étonnant, au fond, chez quelqu’un qui n’a ni héritage intellectuel, ni regard, ni vision. Kim, la surface brillante ou tout glisse, et rien ne s’imprime. La Trump au féminin, mais sans même l’effort de la caricature politique. Même brutalité marchande, même indifférence aux autres, même obsession du chiffre.

Une femme d’affaires “successful”, certes ! Mais culturellement analphabète, éthiquement creuse, et fièrement hors-sol. Un miracle de vacuité transformé en empire.

FM

MADONNA LA PROVOCATION TYPE EHPAD

Madonna, en combinaison sexy pour Dolce & Gabbana, 67 ans au compteur est toujours branchée sur la prise haute « pension » de la provocation. L’information circule comme un scoop, alors qu’elle ressemble plutôt à une rediffusion obstinée de l’Ortf. La transgression, ici, n’est plus un geste, mais un réflexe conditionné, un tic de star qui confond scandale et respiration artificielle.

La mode adore les fantômes qui refusent de traverser le miroir. Madonna, jadis sismographe du désir et dynamite culturelle, devient ici vitrine. Non pas icône libre, mais produit sous cellophane, exhibé comme une preuve de concept. Regardez, semble dire la campagne, le temps n’existe pas, la chair ne se fatigue pas, le désir est Photoshop-compatible, pour un mensonge poli, un mensonge luxueux.

Ce n’est pas une femme libre qu’on expose, c’est un cadavre retouché de plastique, pur un corps momifié par la lumière, la chirurgie et la peur panique de disparaître. La chair n’est plus vivante, elle est gérée, administrée, Lissée jusqu’à devenir une surface publicitaire sans histoire ni vérité. Ce n’est pas l’âge qui est montré, c’est son effacement.

Autrefois, grenade dégoupillée dans la culture pop, elle n’est plus qu’un hologramme crispé, condamné à surjouer l’outrage pour masquer le vide. Elle ne choque plus personne. Elle mendie l’attention comme un empire déchu exhibe ses ruines. La provocation est devenue sa perfusion.

VIVRE OU SE RACONTER UNE ILLUSION CONTEMPORAINE

FM. : Vous dites que vous “débloquez l’invisible”. On parle de quoi exactement ?

Odile Laganier :

De ce qui freine en silence. Ce n’est pas forcément spectaculaire. Ce sont des automatismes, des loyautés familiales, des croyances héritées, des mécanismes de protection, des non-dits, des peurs, parfois juste un mauvais câblage avec le monde. La plupart des gens pensent qu’ils ont un problème de stratégie. En réalité, ils ont un conflit intérieur non résolu. On ne peut pas piloter sa vie si une partie de soi est encore en train de survivre.

FM. : Beaucoup de vos clients ont “réussi” sur le papier. Pourquoi viennent-ils quand même vous voir ?

Odile Laganier :

Parce que la réussite externe ne remplace pas la paix interne. On peut avoir coché toutes les cases mais ne pas habiter sa vie. On peut être applaudi mais pas aligné. On peut avoir la bonne trajectoire mais pas la bonne énergie. Et quand ça se voit, c’est tard. Quand ça se sent, c’est le bon moment pour intervenir.

FM. : Concrètement, comment vous travaillez ?